Per non parlare di come questa dinamica alimenti un mercato secondario iper-competitivo, quello dell’abbigliamento d’archivio e del second-hand. Negli ultimi anni, infatti, l’archive fashion è passato da nicchia di collezionisti a fenomeno mainstream. Pezzi storici di Vivienne Westwood, Maison Margiela o John Galliano sono ora battuti all’asta per cifre astronomiche, trasformandosi in veri e propri asset finanziari. L’ironia è evidente: ciò che un tempo era prodotto per rompere le regole del lusso ora è relegato a un piedistallo inaccessibile. E anche il vintage, che fino a qualche anno fa era simbolo di ricerca e versatilità, si è ormai trasformato in un campo d’élite. Come più volte ha ribadito Raf Simons, la moda d’archivio dovrebbe rappresentare un rifugio in un’epoca di fast fashion e iperproduzione. Tuttavia, questo rifugio non accoglie tutti. L’aumento della domanda ha spinto i prezzi alle stelle, e ciò che era un’alternativa al consumismo sfrenato è diventato ora un mercato esclusivo. Piattaforme come Vestiaire Collective e Grailed sono state fagocitate dalla corsa al rialzo, lasciando i giovani appassionati di moda sempre più frustrati. Ed ecco che la moda si trasforma in una caccia al tesoro, un trofeo da ostentare, un gioco di prestigio, un atto di apparenza. È il piacere di possedere l’inaccessibile e far parte di una cerchia ristretta, e chi non può permettersi certi capi resta escluso da una narrazione che ormai è dominata da simboli.

A rendere il tutto ancora più assurdo, la costante ondata di abiti paradossali e scomodi – firmati Balenciaga, KidSuper, Di Petsa e altri ancora – che non sembrano avere alcuna ragion d’essere al di fuori di una mera provocazione estetica. Le tendenze più hot degli ultimi anni hanno visto la proliferazione di abiti che sfidano ogni convenzione di comfort e praticità, totalmente distaccati dal loro scopo primario: vestire le persone. Basti pensare alle nuove Zero Shoes di Balenciaga, il trionfo del minimalismo con una suola che copre solo alluce e tallone, o alle sneaker Reptile con la punta arcuata, che sfida la forza di gravità. Ma anche alle strutture a gabbia di Rick Owens, ai tubini che intrappolano le braccia della FW24 di McQueen, alle maniche lunghissime dei capispalla di JW Anderson o ai Kiki Boots vertiginosi di Marc Jacobs. Sono abiti e accessori che, per quanto impattanti e di tendenza, non sono stati pensati per il corpo ma per l’occhio di chi guarda, e in questo, la moda si fa arte da museo – o da circo. Il risultato è una disconnessione crescente tra i creatori e i consumatori, in cui l’indossabilità viene sacrificata sull’altare del concept. Si potrebbe controbattere che questa è la vera essenza dell’arte, ma è altrettanto vero, tornando al tema della funzionalità, che la maggior parte del pubblico non è disposto a pagare cifre esorbitanti per capi che non rispondono a esigenze pratiche. E poi, c’è un luogo per tutto: se un red carpet è pronto ad accogliere gli esercizi di stile più disparati, la quotidianità necessita di opzioni più realistiche, di cui parecchi brand, ultimamente, sembrano essersi dimenticati.

Ma in un’era in cui ogni aspetto della nostra vita è stato trasformato in un prodotto di consumo, il lusso è diventato il paradosso di un’industria che si presenta come innovativa, ma che in realtà è prigioniera delle sue stesse contraddizioni. Ed è per questo che si sta facendo strada un bisogno urgente di ripensare la moda come qualcosa di più concreto, più umano: tornare a questo concetto basilare potrebbe essere la chiave per la riconnessione con la realtà. Un ritorno all’autenticità potrebbe essere l’unica strada per liberare la moda da questo circolo vizioso e restituirle la sua funzione originaria: vestire e dare piacere nel farlo.